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art contemporain
→ Enter the void
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Enter the Void explore un état limite : celui où le corps est là sans y être, où la conscience se dérobe, altérée par les substances et la technologie. Le lit, ici scanné et reconstruit, devient un territoire trouble. À la fois intime et virtuel, refuge et piège. Ce n’est plus un lieu de repos, mais un seuil, suspendu entre vie et mort, entre chair et données.
Par son esthétique onirique, Enter the Void questionne la perception de soi dans un monde numérisé. Qu’est-ce qui reste d’un corps une fois scanné, pixellisé, morcelé ? Où se loge encore l’identité quand elle se dissout dans le flux d’images ?
En écho aux travaux de Bill Viola, de Gaspar Noé ou d’Allan McCollum, l’œuvre s’inscrit dans une recherche sur la corporalité, la mémoire numérique et les états altérés. C’est une traversée silencieuse, presque funèbre, mais d’une étrange douceur, comme un rêve dont on ne sait plus si on sort ou si on y entre.
→ Pavillon national
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Sept déclinaisons de cette forme sont imprimées sur tissu et déployées en éventail. Chaque drapeau devient une hypothèse, une projection, une tentative de dessiner d'autres horizons communs. L’étoile ici ne symbolise pas un pouvoir supérieur, mais une question ouverte. Elle évoque la rose des vents, le choix, l’orientation. Elle invite à se demander : vers quel monde voulons-nous aller ? Comment transformer durablement nos sociétés ? Et surtout, comment faire société autrement ?
Loin d’un rejet pur et simple des symboles nationaux, Pavillon national cherche à les réinventer. Il s’inscrit dans une tradition de réinterprétation critique, dans le sillage d’artistes comme Jonas Staal ou des créateurs anonymes des projets de drapeaux européens alternatifs. Le but n’est pas de nier l’histoire, mais de rouvrir la possibilité d’un futur commun, pluraliste, collectif.
Dans un contexte de crispation identitaire, cette pièce propose une respiration. Un déplacement graphique, mais surtout mental. Un espace pour penser ensemble, autrement.
→ Droit de réponse à Musk & Milei
Disqueuse électrique
Socle blanc
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Face à cette image, la disqueuse introduit un contre-récit. Elle suggère une autre manière d’intervenir : plus précise, plus réfléchie. Là où la tronçonneuse démolit, la disqueuse dissèque. C’est une réponse visuelle à la violence des slogans, un geste critique, une tentative de reprendre la main sur les symboles.
Droit de réponse à Musk et Milei met en tension deux logiques : celle de la démolition aveugle, et celle d’une pensée en acte, qui analyse, qui déconstruit, qui choisit ses cibles. Elle interroge notre rapport aux images politiques, aux outils, au pouvoir de la mise en scène. Car dans cette guerre des symboles, celui qui frappe le plus fort n’a pas toujours raison.
Ce projet s’inscrit dans une réflexion plus large sur la société du spectacle, inspirée notamment par les écrits de Guy Debord. Il rappelle que ce que l’on regarde façonne ce que l’on accepte. Et que dans un monde saturé de gestes autoritaires, il est encore possible de proposer des gestes précis, pensés, réparateurs.
→ Canon Pixma TS3150
socle en métal
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Ce récit est une métaphore d’un éveil politique. L’imprimante incarne un prolétariat pur : assignée à une fonction, invisible, interchangeable. Son parcours, de l’aliénation à la révolte, de l’autodestruction à la répression, rejoue les étapes d’une conscience de classe mécanisée.
Posée sur un socle, elle devient sculpture vivante et mouvante. Sa présence questionne notre empathie : suffit-il d’un soupçon de langage pour que le vivant s’expose ? Et si les machines que nous exploitons devenaient le miroir de nos propres conditions ?
Canon Pixma TS3150 interroge autant notre rapport au travail qu’à la technique, et prolonge une réflexion sur la perception, la soumission, et la possibilité d’une révolution, même pour ce qui semblait figé à jamais.
→ Workspaces I,II,III
A0 - 84,1 x 118,9 cm
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The dense and chaotic accumulation of components conveys a brutal, dystopian vision of industry, symbolizing the difficult and exhausting conditions often faced by workers in these fields. The tangled metal parts seem to struggle for space within an oppressive system, representing the violence and intensity of industrial environments. Drawing inspiration from the Futurist movement, which celebrated the energy and dynamism of modernity, the series captures the raw force of contemporary machinery in opposition of human work while highlighting the precision and beauty inherent in industrial materials. The empty space at the center suggests the possibility of something emerging from this mechanical chaos, leaving room for reflection on the place of craftsmanship in a rapidly evolving, technology-driven world.
→ crackhead memories (series)
Digital artwork
80g offset paper
A0 - 84,1 x 118,9 cm
2024
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This process aims to create an almost psychedelic image, seeking to capture the blur, chaos, and melancholy of those memories.
→ blurry hands (series)
80g offset paper
A0 - 84,1 x 118,9 cm
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The process begins by using a brush, carefully attached to the end of a bamboo stick, to trace the contours of the hand onto a large sheet. Instead of relying on sight to guide each movement, it is muscle memory and the sensation of the brush that allow the lines to form. The bamboo, as an extension of the arm, adds extra distance, making the gesture more instinctive and less precise, creating a unique interaction between the artist and the medium. Each stroke thus becomes an exploration of the connection between perception and representation, where seeing is replaced by the act of creating.
→ targets
Variable diameter between 5cm → 45cm
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Targets is a project inspired by Maxime Chanson’s work, and explores the symbolic and unconscious impact of images. The project uses a grid system to create pictograms designed to unconsciously influence viewer behavior, drawing on cognitive psychology research that shows how shapes and colors can affect perception.
The target symbol was chosen for its universal ability to capture and direct attention. By placing targets along a route in the school, the project transforms a simple path into an immersive experience, mapping out the viewer's visual fixation points. This concept is influenced by psychogeography, which examines the emotional experience of space.
Inspired by Gestalt psychology and Russian constructivism, *Targets* uses circular shapes and vibrant colors to guide the viewer’s attention and evoke specific emotional responses. Circular forms are engaging, while warm colors like red attract attention. The project reveals how subtle design choices can influence behavior, making viewers conscious of these manipulations.
A series of photographs documents the targets, ensuring each occupies the same space in each shot, while a video installation mimics the immersive pulsation of the targets, recreating the experience for viewers. Through this, *Targets* blends design, psychology, and art to explore how visual symbols shape perception and behavior.
→ Marianne
Commercial mannequin
Metal foot
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The project examines the redesign of the French State's visual identity under Macron’s first term, particularly the creation of the "Marianne" typeface. Designed by Matthieu Regué, it is meant to modernize the image of the State and unify its visual presentation across platforms.
The buste of Marianne, a national symbol of liberty and democracy, became the central focus. I sought to explore how design reflects authority, using typographic elements and phrases like "Liberté, Égalité, Fraternité" to comment on the manipulation of symbols. Influenced by Jonas Staal’s work, I wrapped Marianne in bands of typography, both dressing and constraining her, representing the oppressive nature of the State’s modern aesthetic.
The finished bust is a hollow, soulless figure, symbolizing a republic that has lost its meaning beneath layers of polished design and empty promises. It critiques how Marianne is used to justify power, becoming an outdated, lifeless representation of a decaying national narrative. The minimalistic presentation reflects this loss of significance, relegating the figure to the background as a mere tool of the State.
→ untitled (sample from earth)
Black wooden bin
Flowers
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Inspired by the amphorae and numerous funerary remains found at the Lattara site in Lattes, a reflection on our future was conducted. What trace will we leave in 2000 years, like the remains found today? What elements of our time, our rituals, our daily lives will persist? Research was therefore conducted on the most abundant materials in nature, the least degradable, the most likely to endure over the long term.
A 50 cm cube was then created, filled with elements that we will probably find in 2000 years: microplastics, magnetic tapes, lithium, glyphosate, glass, smartphones... The main objective of this project was to explore, imagine and anticipate a distant future. It would have been interesting to have more time to collaborate with scientists and thus strengthen the realism of this work.
→ untitled (broken glass)
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The repetition of this gesture on five bottles has revealed the diversity of forms that a single object can take when deconstructed and then recomposed. Each sculpture is unique, the result of a random and unpredictable process. The assembly of the debris, carried out with hot glue, introduces a degree of accident and surprise, thus reinforcing the unique character of each work.
These fragmented and reconstituted bottles can be seen as models, prototypes on a larger scale.
→ kill my aloe
Knives
Computer
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This interactive installation features an aloe vera plant, placed on a pedestal from which tools resembling instruments of torture emerge: knives, skewers, pliers... These tools, connected to a MIDI card and music production software, are designed to transform the spectator's gestures into sounds. Thus, each interaction with the plant generates a unique sound response, a digital cry that seems to emanate from the plant itself.
By placing the spectator in the position of a potential executioner, this installation questions our relationship to nature and suffering. It reveals the diversity of human reactions to an ambiguous situation: some hesitate, others act with apparent cruelty. This experience, reminiscent of the famous Milgram experiments, invites reflection on our moral limits and on the ability of art to arouse complex emotions.
→ perfusion, blood and poetry
Red ink and Sodium Chlorydrate
Surgical tray
Mannequin hand, plastic flower
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→ Les bateaux
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